История одного шедевра: «Сын человеческий» Магритта

Автор картины

Рене Магритт (21.11.1898-15.08.1967), несмотря на разную художественную стилистику в течение жизни, вошёл в историю как яркий сюрреалист, который запоминается глубокой и неоднозначной философией образов, раскрывающейся по-разному для каждого зрителя. Его картины – увлекательные головоломки, каждый предмет в них не случаен и даёт зрителю бесконечный объём пищи для размышлений. Сущность факта скрывания людьми своего глубинного содержания, завуалированного и окутанного тайной, всегда занимала художника. Одним из исследований этой загвоздки и стал «Сын человеческий».

Парижский сюрреализм (1927-1938)[ | ]

Магритт с Жоржеттой уезжают в Париж, где знакомятся с Андре Бретоном и вступают в его кружок сюрреалистов. В этом кружке Магритт не потерял свою индивидуальность, но вступление в него помогло Магритту обрести тот фирменный своеобразный стиль, по которому узнаются его картины. Художник не боялся спорить с другими сюрреалистами: например, Магритт отрицательно относился к психоанализу и особенно к его проявлениям в искусстве. Действительно, природа его творчества не столько психологическая, сколько философски-поэтическая, порой основанная на парадоксах логики.

После расторжения контракта с галереей Сенто Магритт возвращается в Брюссель и снова работает с рекламой, а затем вместе с братом открывает агентство, которое даёт им постоянный доход.

Описание картины

На картине изображён мужчина практически в натуральную величину. Фигура обрезана нижним краем картины – ноги художник не рисовал. Герой явно находится на благоустроенной набережной моря, у невысокого парапета из каменных блоков. За его спиной морская гладь в туманной дымке, сливающаяся на горизонте с голубым небом, на котором только начинают сгущаться лёгкие тучки. Мужчина одет как среднестатистический, деловой герой своего времени: белая рубашка, застёгнутая на все пуговицы, красный галстук под отложным воротничком, чёрное пальто сверху. На голове фетровая шляпа с полукруглой тульей – котелок по европейской моде тех лет, когда картина писалась. Мужчина стоит ровно, руки по швам, плечи расправлены, лицом к зрителю. Стоит анфас, но лица зрителю не увидать – оно скрыто красивым, круглым и блестящим, зелёным яблоком со свежими, упругими листочками на плодоножке. Только краешки глаз видны, но ничего не разгадать по ним.

Картина «Влюбленные»

Рене Магритт написал серию полотен «Влюбленные» в 1927-1928 годах в Париже.

На первой картине изображены мужчина и женщина, которые слились в поцелуе. Их головы обмотаны белой тканью. На втором полотне изображены те же мужчина и женщина в белой ткани, которые смотрят с картины на публику.

Белая ткань в работе художника вызывает и вызывала бурные обсуждения. Существует две версии. Согласно первой белая ткань в работах Рене Магритта появилась в связи со смертью матери в раннем детстве. Его мать спрыгнула с моста в реку. Когда ее тело достали из воды, было обнаружена белая ткань, обмотанная вокруг головы. Что касается второй версии, то многие знали, что художник был поклонником Фантомаса – героя популярного кинофильма. Поэтому может быть, что белая ткань – это дань увлечению кинематографом.

О чем эта картина? Многие думают, что картина «Влюбленные» олицетворяет слепую любовь: влюбляясь, люди перестают замечать кого-то или что-то, кроме своей половинки. Но люди остаются загадками и для самих себя. С другой стороны, глядя на поцелуй влюбленных, можно говорить, что они потеряли голову от любви и страсти. Картина Рене Магритта наполнена взаимными чувствами и переживаниями.

Провокация для интеллектуалов

Именно так искусствоведы зачастую называют эту картину. Рене Магритт «Сына человеческого» писал в зрелом возрасте, будучи уже мудрым, многоопытным человеком. Впервые подобный образ возник в творчестве художника в 1926 году, затем не раз повторялся, и вот в 1964-м герой «спрятал» лицо.

Выбор яблока в качестве «завесы» преднамеренный – его плод для разных народов многонациональной Европы символизирует:

• Здоровье и жизненную силу;
• Мир и власть;
• Знание и мудрость;
• Счастье и бессмертие.

Кроме того, шарообразная форма яблока обозначает Вечность, у которой нет ни начала, ни конца. Плод яблока у христиан, с одной стороны, путь совращения первых людей, Адама и Евы, с другой, спасение их.

К каким смыслам обращается художник? Подростком переживший трагическую смерть матери, современник и очевидец как бешеных темпов развития ХХ века, так и страшной войны, Рене Магритт мог апеллировать ко всем сразу смыслам и значениям. Высота возраста и опыт это уже позволяли.

Почему Рене Магритт был помешан на шляпах

За свою жизнь Магритт нарисовал около 2000 картин, в 50-ти из которых появляется шляпа. Художник рисовал ее в промежутке между 1926 и 1966 годами, и она стала отличительной чертой творчества Рене.

Раньше шляпу-котелок носили обычные представители буржуазии, которые не особо желали выделяться из толпы. «Котелок… не удивляет», – сказал Магритт в 1966 году. «Это – головной убор, который не оригинален. Человек с котелком – это просто человек среднего класса, [спрятанный] в своей анонимности. Я тоже его ношу. Я не стремлюсь к тому, чтобы выделяться».

Шляпы-котелки были введены в моду специально для британского среднего класса, во второй половине 19 века. В начале 20 века котелок стал одной из самых популярных шляп. Головной убор считался неформальным и практичным одновременно, что делало его обязательной частью мужского гардероба.

Правда, в 1920-е годы тоже были эпизоды, когда аксессуар фигурировал в карьере Магритта. В те времена художник оставил свою работу в качестве иллюстратора для модного каталога. Ранние картины содержат в себе отсылки к поп-культуре, которая тогда ассоциировалась со шляпой-котелком. Магритт, который был страстным любителем криминальной литературы, работал над картиной «Убийца в опасности», где два детектива в котелках готовятся войти в комнату, где было совершено убийство.

Затем художник отказался от «шляпного» мотива, не используя его несколько десятилетий. Шляпы вновь изобразились на холсте в пятидесятые-шестидесятые годы, став важной частью поздней карьеры Рене. К тому времени ассоциации с человеком в шляпе кардинально изменились: от четкой отсылки к профессии (к детективам, в основном), до символа среднего класса.

Но, как и положено в творчестве Магритта – все не так, как нам кажется. «Он играет с этим чувством: “Мы думаем, что мы знаем, кто этот человек, но знаем ли мы?” – говорит Кайтлин Хаскелл, организатор выставки Рене Магритта в Сан-Франциско. –Тут есть чувство интриги, не смотря на то, что сама фигура – стереотипно-буржуазна и не представляет особого интереса»

«Если вы возьмете гениальность Магритта и должны будете рассказать о ней в одном предложении: “Почему Магритт так важен? Почему его образы являются неотъемлемой частью общественного воображения и сознания?” Все потому, что он создает невероятно понятные и четкие картины, в которых нет четкого смысла», – говорит Энн Умланд, куратор картин и скульптур Нью-Йоркского музея современного искусства. «Шляпа-котелок работает именно таким образом».

Существует теория, что шляпа функционировала в качестве «анонимайзера» для самого Рене. Примерно в те времена, когда на картинах вновь появились головные уборы, Магритт стал надевать шляпу для фотосессий. Вполне возможно, что галантные господа из картин – это автопортреты самого Рене.

Это проиллюстрировано в картине под названием «Сын Человеческий», которая выступает в качестве автопортрета художника. Рене рисует себе шляпу-котелок и крупное яблоко, плавающее перед его лицом, затмевающее его настоящую личность.

Тем не менее, в 50-е годы улицы города перестали изобиловать шляпами-котелками. Аксессуар стал старомодным, и следящим за трендами горожанам пришлось от него отказаться. Тогда шляпы Магритта, нарисованные в реалистичном стиле (в разгар абстрактного экспрессионизма), стали символом анонимности. В картинах Рене они выступили на первый план, вместо того, чтобы исчезнуть в безликой толпе.

По сути, шляпы-котелки стали иконографической подписью Магритта. Получается забавная ирония: художник выбрал деталь, которая обеспечит неузнаваемость, но все сработало наоборот. Теперь шляпа-котелок – один из главных объектов творчества легендарного Рене Магритта.

Смотрите также:

• За 125 лет миллионы людей видели эту картину, но никто не догадывался, что на самом деле изобразил Ван Гог
• Сальвадор Дали и 15 невероятных фактов из его жизни
• Странные привычки Канта, Ницше, Гегеля, Батая и других философов
• 20 самых странных картин в мировой живописи
• Современные римейки на 20 классических картин

4 сентября, 2018

Настоящий автопортрет

Сам художник никаких письменных объяснений своим произведениям не оставил. Сохранились лишь тексты его интервью, к подготовке которых он, кстати, относился очень скрупулёзно – предпочитал заранее ознакомиться с вопросами и срежиссировать ответы. Причина такого отношения к беседе с журналистами сюрреалистичным языком как раз и раскрывается в картине «Сын человеческий» – у каждого есть тайны, и это нормально, и это правильно. Без обдумывания и подготовки ответов можно было случайно выдать корреспонденту тщательно скрываемое, личное, что не для показа и не для чужих ушей. Ведь любую информацию обыватель может интерпретировать по-своему, потому и ставят люди между собой и любопытным обществом некую ширму, надевают маски, предъявляя видимое, чтобы не дать разглядеть скрытое. Иногда и от самого себя.

Магический реализм Рене Магритта

В любой энциклопедии или статье о сюрреализме одним из крупнейших художников этого направления назовут бельгийского живописца Рене Магритта ( 1898 — 1967).

Однако сам он предпочитал именовать себя магическим реалистом. В основе сюрреализма был фрейдизм, Магритт же искал скрытую сущность видимого в мире фантазии. Его картины наполнены загадками, и от зрителя требуется не простое созерцание, а работа мысли и интеллекта для их разгадки, которая может быть у каждого своя и редко бывает однозначной.

«Когда я смотрю на свои работы, мне кажется, что меня со всех сторон окружает тайна, и в мире нет ей разгадки,» — писал художник.

Названия картин очень важны для Магритта и играют в его творчестве особую роль. Они почти всегда поэтичны и никак, на первый взгляд, не связаны с самим изображением. Именно в этом видел их значимость сам художник: он считал, что скрытая поэтическая связь названия и картины способствуют тому магическому удивлению, которое является предназначением искусства.Сюрреалисты не воспринимали такой подход, но все изменилось, когда Магритт познакомился с Дали. Знаменитый художник написал в газету статью про картину «Вероломство образов». После этого живописцу удалось наладить отношения с сюрреалистами, но тем не менее Магритт не менял своих взглядов и оставался верен себе.

Вероломство образов

На картине зритель видит крупное изображение курительной трубки, выписанное со всей тщательностью и предельным реализмом.

Вдоль нижней кромки полотна идет надпись, сделанная крупным каллиграфическим почерком: «Это не трубка».Зритель, впервые увидевший картину, поначалу не может уловить скрытое послание автора, ведь он видит перед собой именно трубку — как же можно утверждать, что это не она? Парадокс заключается в том, что, по сути, автор прав: ведь мы видим не сам предмет, а его образ, перенесенный на холст — перед нами картина с изображением трубки, но не сама трубка, которую можно набить табаком и раскурить, выпуская ароматный дым.

Кот в шляпе

Перед вами «Кот в шляпе» И пусть кто-то скажет, что это не так.

А эту картину я очень люблю.

Ностальгия

«Ни льву, ни человеку со сложенными крыльями нечего делать на мосту. Они воплощают тоску тех, кто знает, что настоящая жизнь — это что-то другое, что-то не существующее вовсе, «— говорил Магритт об этой картине.

Сын человеческий

Самая известная работа Магритта, которую любят печатать на обложке учебника по обществознанию.

Магритт писал эту картину как автопортрет. Но поскольку каждая его картина является в большей степени философской притчей, а не просто красивым рисунком, то каждый зритель трактует «Сына человеческого» по-разному.Самое распространенное объяснение: перед нами современный потомок Адама. А яблоко символизирует искушения, которые продолжают преследовать человека и в современном мире.

Проницательность

Живописец смотрит на яйцо, а рисует птицу. Эта работа объясняет, почему он изображает обычные предметы через призму своего восприятия окружающего мира.Яйцо превращается в птицу, а ведь философы всего мира спорят до сих пор о том, что было первично. Такая трансформация жизненного зачатка и показывает всю жизнь.

Философия будуара

«Мои картины — не сны усыпляющие, а сны пробуждающие», — говорил Рене Магритт.

Голклнда

Магритт утверждал: «Лучший заголовок картины — поэтический. Он ничему не должен учить, а вместо этого — удивлять и завораживать».

Следуя этому правилу, он назвал свою картину «Голконда». Пусть зритель догадается сам, какое отношение имеет полулегендарный индийский город, славившийся золотыми россыпями и алмазами, к зависшим в воздухе котелкам.

Препятствие пустоты. Карт бланш

.«В картине «Карт-бланш» наездница заслоняет собой деревья, а они заслоняют ее. Однако сила мышления объемлет и зримое, и незримое, и я при помощи живописи делаю мысли видимыми»…». Магритт Любовники (Влюбленные)

Империя света.

Счастливые предзнаменования

Портрет девушки в красном уборе

Вам будет интересно:Эклектика архитектура: характерные черты, особенности и примеры

Художники часто используют в своем творчестве изображение женщины в шляпе. Не обошел стороной эту тему и нидерландский художник Ян Вермеер Делфтский. Это полотно было создано им в 1668 году. Изображенная на картине дама в красной шляпе была написана на деревянном холсте. Художник использовал технику «замочной скважины», что позволяет зрителю оценить мастерство автора. Фигура женщины в несколько экстравагантном одеянии и красном головном уборе близко расположена к зрителю. Мы можем видеть богатство красок и в синей накидке, и в ярком головном уборе. Бледное удлиненное лицо девушки, напоминающее, скорее, лицо юноши, что не характерно для других картин Вермеера, повернуто к зрителю. Она как будто хочет что-то сказать, но медлит. И этот миг прекрасен, прекрасен своей неповторимостью, обыденностью, живостью.

«Неизвестная» картина Ивана Николаевича Крамского

Если речь идет о даме в шляпе на картине, нельзя не вспомнить знаменитое полотно Крамского «Неизвестная». Картина была написана в 1883 году и является частью собрания Третьяковской галереи. Здесь изображена молодая красивая женщина, которая проезжает в открытом экипаже по Невскому проспекту Санкт-Петербурга. Изображенная на картине дама в черной шляпе одета по последней моде того времени, бархатная шляпка украшена перьями, пальто оторочено мехом, маленькие ручки греют тонкие кожаные перчатки. Взгляд царственный, но немного грустный. Мы видим запечатленный миг чей-то жизни, художнику удалось придать своему произведению ореол таинственности и интриги.