Первый художник абстракционист. Самые известные художники-абстракционисты: определение, направление в искусстве, особенности изображения и самые известные картины

Считается, что фигуративное искусство изображает какие-то узнаваемые объекты, а абстрактное отказывается от репрезентативности. Но что, если война изменила мир до неузнаваемости? Художники Лондонской школы вернули в послевоенное искусство фигуративную живопись, но их работы далеки от реалистической традиции. О том, как эволюционировала репрезентативность в искусстве середины XX века, рассказывают философы Лидия Чаковская, Виктория Васильева и искусствовед Илона Лебедева. T&P записали основное.

Лондонская школа: фигуративное искусство как новая абстракция

Дискуссия. 29 марта 2020, ГМИИ им. А.С. Пушкина.

В рамках цикла мероприятий к выставке «Фрэнсис Бэкон, Люсьен Фрейд и Лондонская школа».
Организаторы: кураторское агентство Science.me и Государственный музей изобразительных искусств имени А.С. Пушкина

Джон Сарджент (1856-1925 гг.)

Но однажды художник по мнению общества перешагнул черту. Нам сейчас сложно понять, что же такого недопустимого в картине «Мадам Икс».

Правда в первоначальной версии у героини была опущена одна из брителек. Сарджент ее «поднял», но это делу не помогло. Заказы сошли на нет.

Что же непристойного увидела публика? А то, что Сарджент изобразил модель в слишком самоуверенной позе. Да ещё полупрозрачная кожа и розовое ушко весьма красноречивы.

Картина как бы говорит, что эта женщина с повышенной сексуальностью не прочь принимать ухаживания других мужчин. Притом будучи замужем.

К сожалению, за этим скандалом современники не разглядели шедевра. Темное платье, светлая кожа, динамичная поза – простое сочетание, которое дано найти только самым талантливым мастерам.

Но нет худа без добра. Сарджент получил взамен свободу. Начал больше экспериментировать с импрессионизмом. Писать детей в непосредственных ситуациях. Так появилась работа «Гвоздика, лилия, лилия, роза».

Сарджент хотел поймать определенный момент сумерек. Поэтому работал только 2 минуты в день, когда освещение было подходящим. Работал летом и осенью. А когда цветы завяли, заменил их искусственными.

В последние десятилетия Сарджент так вошёл во вкус свободы, что и вовсе начал отказываться от портретов. Хотя репутация его уже восстановилась. Одну клиентку он даже грубо отшил, сказав, что с большим удовольствием напишет ее калитку, нежели ее лицо.

Современники относились к Сардженту с иронией. Считая его устаревшим в век модернизма. Но время расставило все по своим местам.

Сейчас его работы стоят не меньше, чем работы самых прославленных модернистов. Ну а уж о любви публики и говорить нечего. На выставках с его работами всегда аншлаг.

«На грани экспрессионизма»

Илона Лебедева: Говоря о художниках ХХ века, важно не загнать живых, настоящих авторов в холодные искусствоведческие штампы и определения. К каждому из них нужно подходить с подобранным именно под него инструментарием и смотреть на каждую его работу, на его развитие в перспективе. Я предлагаю взглянуть на творчество художников Лондонской школы с пониманием, что они на самом деле очень разные: недаром художник Рон Б. Китай объединил их под одним «брендом» относительно недавно — в 1976 году. И степень фигуративности и абстракции у каждого художника в каждой картине тоже разная.

Рон Б. Китай

Американский живописец и график, работал в Лондоне. В 1976 году организовал выставку «Человеческая глина», в которой участвовали художники, объединившиеся в Лондонскую школу, — Леон Коссофф, Франк Ауэрбах, Майкл Эндрюс, Люсьен Фрейд, Фрэнсис Бэкон и др.
Лидия Чаковская: После Второй мировой войны Англия ощущала себя единственной хранительницей цивилизации, нацией Шекспира и Гейнсборо, нашедшей в себе силы противостоять фашистской бесчеловечности.

В военное время официальным художником армии был Джон Пайпер. Он писал английские города и фиксировал разрушения от бомбежек. Среди его работ — почти стертая с лица земли церковь Сент-Мэри-Редклифф в Бристоле:

Здесь уже видны характерные черты искусства войны — общие планы, цвет, который живет своей жизнью. Грэхем Вивиан Сазерленд тоже был военным художником и изображал разрушенный Лондон. В 1946 году, ориентируясь на Маттиаса Грюневальда, он написал «Распятие» — так, как в ХХ веке его не изображали:

Это смелая работа, обращение к страшному, которое потом подхватит Фрэнсис Бэкон. У Сазерленда также есть серия крестов, обтянутых колючей проволокой, и здесь тоже тонкая грань между фигуративным и нефигуративным искусством. Английские художники, отталкиваясь от реальности, могли заходить в любые пластические эксперименты. Порой они балансировали на грани экспрессионизма, переходящего в нефигуративность.

Роткович и его необычная техника

Когда речь заходит о самых известных художниках-абстракционистах, нельзя не упомянуть Маркуса Ротковича — еврейского эмигранта. Талантливый ученик Горки воздействовал на публику интенсивностью и глубиной красочных мембран: он накладывал два или три цветовых прямоугольных пространства одно над другим. И они словно затягивали человека внутрь, чтобы он испытал катарсис (очищение). Сам создатель необычных полотен рекомендовал рассматривать их на расстоянии не менее 45 сантиметров. Он говорил, что его работы — это путешествие в неизвестный мир, куда зритель вряд ли предпочтет самостоятельно отправиться.

Фигуративность

Илона Лебедева: Многие считают фигуративность и репрезентативность синонимичными понятиями, но это не так. Когда мы говорим, что живопись фигуративна, то подозреваем, что у нее есть определенная связь с образным строем реального мира. Когда мы называем ее репрезентативной, то в узком смысле мы подразумеваем искусство подражательное, а в более широком — тенденцию, когда художник выделяет из потока явлений наиболее важное, актуальное. Смысл этого термина перекликается с его использованием в биологии, когда по одному представителю можно судить обо всем виде.

В первой половине ХХ века искусство, а точнее авангардные «измы», отказывалось от репрезентативности. Во второй половине 1920-х годов существовало сообщество художников «Новая вещественность», включавшее в себя очень разных авторов. Некоторые из них, как, например, Георг Шримпф, апеллировали к классическому искусству и продолжали традицию фигуративной живописи:

Георг Гросс работал с экспрессивными формами. У него есть карикатурные образы, но он изображал характерные явления своего времени, поэтому его живопись можно назвать репрезентативной с элементами фигуративной:

То же можно сказать и про творчество Отто Дикса.

Так что в 1920–30-е годы тенденция фигуративности никуда не исчезла, а в 1940–50-е годы лишь стала расцветать по всему миру. Появились смежные понятия — например, в 1930–50-х годах внутри Бостонской школы зародилось направление так называемого фигуративного абстракционизма. Уже в самом его названии чувствуется, что критики того времени пытались что-то сделать с неподвижностью терминологии и найти более точное определение, соответствующее своему времени.

Найдите свою формулу, позволяющую понять абстракционизм

Существует ли универсальная формула, которая позволит зрителю воспринимать абстрактное искусство? Возможно, в этом случае каждому придется нащупать собственные ориентиры, основанные на личном опыте, внутренних ощущениях и огромном желании открыть для себя неизвестное. Если человек захочет обнаружить тайные послания авторов, он их обязательно найдет, ведь так заманчиво заглянуть за внешнюю оболочку и увидеть идею, являющуюся важной составляющей абстракционизма.

Трудно переоценить переворот в традиционном искусстве, который произвели известные художники-абстракционисты и их картины. Они заставили общество взглянуть на мир по-новому, увидеть в нем иные краски, оценить необычные формы и содержание.

Определение и смысл

Термин «абстрактное искусство», также называемый «необъективным искусством », «нефигуративным», «непрезентативным», «геометрической абстракцией» или «конкретным искусством », – это довольно смутный зонтичный термин для любой картины или скульптуры который не изображает узнаваемые объекты или сцены.

Однако, как мы увидим, нет четкого консенсуса в отношении определения, типов или эстетического значения абстрактного искусства. Пикассо считал, что такого не было, а некоторые искусствоведы считают, что все искусство абстрактно, потому что, например, ни одна картина не может надеяться стать чем-то большим, чем грубое обобщение (абстракция) того, что видит художник. Даже ведущие комментаторы иногда не соглашаются с тем, должен ли холст быть помечен как «экспрессионистский» или «абстрактный» – например, акварельный Корабль в огне (1830, Тейт) и масляная картина Снежная буря – пароход с устья гавани (1842, Тейт), оба Дж.М.У. Тернера (1775-1851). Аналогичным примером является Кувшинка (1916-20, Национальная галерея, Лондон) Клода Моне (1840-1926). Кроме того, существует скользящая шкала абстракции: от полуабстрактной до полностью абстрактной. Поэтому, хотя теория относительно ясна – абстрактное искусство оторвано от реальности – практическая задача отделения абстрактного от неабстрактного может быть гораздо более проблематичной.

Какая идея стоит за абстрактным искусством?

Основная предпосылка абстракции – между прочим, ключевой вопрос эстетики – заключается в том, что формальные качества картины (или скульптуры) столь же важны (если не более), чем ее репрезентативные качества.

Начнем с очень простой иллюстрации. Картина может содержать очень плохой рисунок человека, но если его цвета очень красивы, она, тем не менее, может показаться нам прекрасной картиной. Это показывает, как формальное качество (цвет) может переопределить представительное (рисунок).

С другой стороны, фотореалистичная картина дома с террасой может демонстрировать изящную репрезентацию, но предмет, цветовая схема и общая композиция могут быть совершенно скучными.

Философское обоснование оценки ценности формальных качеств произведения искусства вытекает из заявления Платона о том, что: «прямые и круги… не только красивы… но вечно и абсолютно прекрасны».

По сути, Платон обозначил, что не-натуралистические изображения (круги, квадраты, треугольники и т.д.) обладают абсолютной, неизменной красотой. Таким образом, картину можно оценить только за ее линию и цвет – ей не нужно изображать природный объект или сцену. Французский художник, литограф и теоретик искусства Морис Дени (1870–1943 гг.) имел в виду то же самое, когда писал: “Помните, что картина перед тем, как стать боевым конем или обнаженной женщиной, по сути является плоской поверхностью, покрытой цветами, собранными в определенном порядке.”

Абстракционизм

Илона Лебедева: Абстракционизм после 1940–50-х родов тоже не стоит на месте. В то время активно работают художники знаменитой Нью-Йоркской школы, создающие образцы абстрактного экспрессионизма. У каждого из них — собственный узнаваемый стиль: кто-то больше работает с цветом, кто-то с пятном, кто-то с линией.

Параллельно в Европе работают совершенно другие мастера — например, Пьер Сулаж демонстрирует одну из крайних форм абстрагирования, его живопись переходит в разряд метафизической. Сначала для него оказываются важны тонкие материи, светозарность полотна, а затем он начинает работать с черным цветом (и дематериализацией живописи), и это становится его фирменным стилем на многие десятилетия.

У современника Сулажа Николя де Сталя можно найти легкие напоминания о реальности, но это не дает нам права в каждом пятне искать конкретную тень предмета из нашего мира:

У Ричарда Дибенкорна, не вписывающегося ни в одну школу, другой подход к работе: он оставляет отдельные узнаваемые реальные предметы, но показывает их в предельной степени обобщения, и поэтому они постепенно перетекают в абстрактную форму:

В работах Виллема де Кунинга то, что кажется узнаваемым, на самом деле является фантазийным, архаичным или тотемическим образом, архетипом на тему сексуальной ритуальной энергетики, недаром его изображения напоминают скульптуры палеолитических Венер:

Начиная с эпохи авангарда абстракция стала в сознании зрителя знаком передового искусства. До сих пор

многие художники проверяют свою профессиональную зрелость умением создавать абстрактную композицию.

По сей день публика считает, что если художник — абстракционист, то он актуальный, современный, модный и яркий. Поэтому важна относительность фигуративности Лондонской школы.

Лидия Чаковская: Применительно к Лондонской школе нужно говорить об абстрагировании как о попытке сделать шаг назад, чтобы увидеть явление. Мир в послевоенный период так сильно изменился, что нужно было заново называть вещи, и художники делали это по-своему.

История

Абстрактное искусство появилось около 70 000 лет назад – первые доисторические рисунки на стенах пещер в виде геометрического орнамента найдены в Южной Африке. Искусство периода позднего палеолита представляет широкий спектр абстрактных рисунков, связанных с первобытными религиозными верованиями. Орнаменты и символы встречаются во всех культурах мира.

Зарождение

До конца 19 столетия, известные живописцы следуют традиционным принципам классического реализма и академизма. Главный принцип – стремление передать объект максимально реалистично. В последней четверти 19 столетия ситуация изменилась. Импрессионизм продемонстрировал, что строгий академический стиль больше не основной. В период 1900-1930 годов формировались направления, ставшие течениями абстрактной живописи, художники вырабатывали новые методы и приемы работы.

Экспрессионизм как стиль в живописи

Начало развития стиля в Европе связывают с зарождением футуризма и супрематизма –экстремального направления абстракционизма, с деятельностью Кандинского и Малевича.

Первым продемонстрировал отказ от традиций академизма импрессионизм. Картины К.Моне называют первыми шагами в формировании абстракционизма как самостоятельного направления в живописи. На формирование «беспредметного искусства» оказывало сильное влияние движение арт-нуво конца 19 – начало 20 века.

Основатели

Абстракционизм в живописи основали русские художники К.Малевич и В.Кандинский, нидерландец П.Модриан, чех Ф.Купка.

Акцент на цвете и форме, а не на реалистичности изображения, имеет первостепенное значение в развитии абстрактного искусства. Немецкий экспрессионизм сделал это краеугольным камнем живописи. Известный абстракционист Василий Кандинский в 1911 году опубликовал книгу под названием «О духовном в искусстве», которая стала идейной основой стиля. Кандинский считал, что картину нельзя анализировать интеллектуально – необходимо эмоциональное восприятие, ощущение цвета. Художнику было свойственна сверхчувствительность к цвету – синестезия, поэтому оттенкам и их передаче он придавал наибольшее значение. Живописец отмечал, что чувственное восприятие абстрактной живописи не должно превратить картину в простую декорацию помещения. Философия абстракции, по мнению Кандинского, содержится в трудах Е.Блаватской и Р.Штейнера.

Концептуализм как стиль в живописи

До Второй мировой войны Париж был центром развития новых направлений современного искусства. После войны центр переместился в Нью — Йорк.

Телесность и спонтанность

Лидия Чаковская: Художники Лондонской школы и абстракционисты были близки в художественном методе. Бэкон, говоря о себе как о спонтанном художнике, много работал над образом. Авторы Лондонской школы всегда отталкивались от объекта, имея возможность в дальнейшем его искажать. Это особенная фигуративность и доступный и абстракционистам способ оптического воздействия силой материи, эстетикой цвета. Так, Леон Коссофф и Франк Ауэрбах работали с фактурой и количеством краски. Художники искали момент, когда картина перестанет распадаться на материю и пространство. Им нужно было не образно воздействовать на зрителя, а передать физическое, телесное ощущение от живописи.

Виктория Васильева: Действительно, художники Лондонской школы укоренены в современной им действительности даже не через фигуративность, а буквально «плотью и кровью». Это очень осязательная живопись, на некоторые картины просто физически некомфортно смотреть.

Илона Лебедева: Когда художники только исследовали и открывали направления абстракции, у одних было больше спонтанности, у других — системности. Во второй половине ХХ века многие делают ставку на спонтанный эффект и импульсивность как проявление индивидуальности художника. Авторам было важно, чтобы зритель интуитивно прочувствовал их произведения.

Лидия Чаковская: Спонтанность и искажение позволяют художникам говорить о том, о чем никто не решался. Люсьен Фрейд и другие художники изучали человека как натуралисты, и это изучение — чистая физиология, в которой нет чувственности. Это максимально абстрагированное переживание телесности.

В то же время эта живопись имеет связь с биографией художника. Фрейд известен огромным количеством любовниц и детей, для него писать картину и спать с женщиной — одно и то же. Но какой холодный результат мы получаем: его образы женщин не вызывают у нас никаких чувственных эмоций. Это трагическая ситуация, ведь Фрейд ждал чуда от живописи, но всякий раз, заканчивая картину, он приходил к выводу, что это всего лишь полотно. Каждый раз живопись — это попытка решить личную проблему, которая не может быть решена живописью. Для англичан открытое декларирование проблем сексуальности немыслимо. Бэкон и Фрейд закрыли эту проблему для английского общества.

Также их видят как воплощение мечты о хорошей жизни после войны, поскольку они вращались в высших кругах общества.

Сегодня представители Лондонской школы считаются у себя на родине отцами-основателями английского искусства. Многие художники говорят, что Люсьен Фрейд, Фрэнсис Бэкон и другие дали им голос, определили их видение послевоенного мира и манеру письма. Лондонская школа и проблема абстракции — самое характерное в искусстве Англии.

Виктория Васильева: Художники Лондонской школы остро переживали то, что было им современно. В послевоенной Европе накопилось недовольство миром, пережившим войны, появились протестные движения — причем не только социально-политического плана, но и касающиеся академической среды и сферы художественной культуры. Но в творчестве авторов Лондонской школы нет социального протеста. Здесь есть уровень телесного ощущения происходящего в мире. Их фигуративность — старый прием, использующийся для новых реалий. Разговор об абстракции как дистанции по отношению к предмету и средствам творчества также уместен и правомерен. Жесткой границы между фигуративной живописью и абстракцией в искусстве XX века нет.

Развитие в новых направлениях

В ходе развития абстракционизма появляются новые направления:

Лучизм

Направление основано в начале 20 века. Характерными чертами стала игра с цветовым спектром, специфическая светопередача. Художники за основу творчества взяли идею о том, что предметы, которые видит человек – продукт восприятия глазом лучей, идущих от источника света.

Супрематизм

В России абстрактное искусство развивалось в форме супрематизма в начале 20 столетия, основанного К.Малевичем. Направление связывают с работами Кандинского. В основе построения композиции – геометрические фигуры, яркие цвета, прямые линии, ассиметричность. Направление наиболее ярко демонстрирует особенности русского авангардного искусства в работах художников Л.Поповой, И.Пуни, О.Розановой, А.Родченко, А.Экстер.

Реализм как стиль в живописи

В русском супрематизме можно увидеть серьезное влияние византийского искусства, античности, религии. Кандинский стал отцом нового направления, которое связывают со школой Баухаус.

Неопластицизм

Голландское направление абстракционизма, основанное в 1917 – 1925 годах. Основными деталями изображения являются квадраты и прямоугольники различных цветов и размеров. Крупнейшим представителей стиля считается П.Модриан.

Орфизм

Французская версия абстрактной живописи начала 20 века. Художники-орфисты стремились связать живопись и музыку, использовали закономерности музыкальных ритмов для передачи оттенков и цветов. Характерны криволинейность, ассиметричность, использование контрастных оттенков.

Ташизм

Направление развивалось в Западной Европе и США в середине 20 века. Представители отказались от воссоздания образов реальности, при написании картин использовали яркие цветовые пятна, линии, бесформенные мазки. Ташизм воплощает спонтанность, работу без четкого плана.

Абстрактный экспрессионизм

Движение представлено во многих странах. Художники работали с пятнами, точками, кривыми и прямыми линиями, штрихами, отказавшись от четкой геометричности. Экспрессионизм призван передавать эмоции и мимолетные чувства, поэтому для написания картин используются только яркие цвета.

Дадаизм как стиль в живописи

Оп-арт

Одним из направлений авангарда и абстракции считают движение оп-арт или «оптическое искусство». Отличительной чертой является стремление создать сложные оптические иллюзии при помощи цвета, формы, монохромности, повторяющихся геометрических узоров. Ведущие художники, представители направления В.Вазарели, Б.Райли. Движение не стало популярным и трансформировалось в другие направления в начале 70-х годов 20 столетия.

С развитием постмодернизма в середине 60-х годов 20 века современное искусство имеет тенденцию распадаться на местные школы.

Литература

• Данто А. Мир искусства. — М.: Ад Маргинем Пресс, 2020.
• Каталог к выставке «Френсис Бэкон, Люсьен Фрейд и Лондонская школа».
• Кошут, Дж. Искусство после философии / Пер. с англ. А.А. Курбановского // Искусствознание. — 2001. — № 1.
• О’Догерти Б. Внутри белого куба. — М.: Ад Маргинем Пресс. — 2015. — Т. 2020.
• Ортега-и-Гассет Х. Дегуманизация искусства. — М. Радуга. — 1991.
• Эко У. История красоты. — М.: Слово/Slovo. — 2005.
• Lippard L. R. (ed.). Six years: the dematerialization of the art object from 1966 to 1972. — Univ of California Press, 1997. — Т. 364.

Мы публикуем сокращенные записи лекций, вебинаров, подкастов — то есть устных выступлений. Мнение спикера может не совпадать с мнением редакции. Мы запрашиваем ссылки на первоисточники, но их предоставление остается на усмотрение спикера.

Где можно учиться по теме #искусство

Грант

Open-call для молодых художников Metropolis Gallery, Санкт-Петербург

В течение всего года

Курс

Магистратура «Музейное дело»

1 сентября 2020 — 31 августа 2021

Грант

Арт-резиденция Greywood Arts приглашает деятелей всех видов искусства

В течение всего года

Где можно учиться по теме #живопись

Курс

Современное искусство: менеджмент

По мере набора

Курс

Оценка культурных ценностей

По мере набора

Грант

Абстрактное искусство

Определение и значение

Термин «абстрактное искусство»

(иногда «беспредметное», «не нерепрезентативное») — это довольно расплывчатое определение для любой картины или скульптуры, изображающей не узнаваемые объекты и сцены. Тем не менее, четкого консенсуса касательно этой интерпретации нет. Например, Пабло Пикассо считал, что абстрактной живописи не существует, в то время как некоторые искусствоведы полагают, что ни одна картина не может быть больше чем сырая абстракция того, что видит художник. Даже знаменитые критики и ученые расходятся во мнениях, классифицируя некоторые холсты, пытаясь отличить «экспрессионизм» и «абстракцию». Ситуация осложняется тем, что есть выделяется как полностью абстрактная живопись и скульптура, так и полу-абстрактный стиль.

Виды абстрактного искусства

Как было упомянуто выше, некоторые картины направления основываются на простейших геометрических фигурах, но это не все виды абстрактных работ. Условно их можно разделить на шесть основных типов:

Некоторые из этих типов являются в разной степени абстрактными, но все они связанны идеями отделения предмета искусства от реальности.

Стоит отметить, что параллельно с развитием геометрического стиля, в 1920–1930 годы формировался и сюрреализм, чьи идеи перекликались с абстрактным искусством. Ведущими представителями которого были Хуан Миро , Жан Арп, Сальвадор Дали и другие.

Гениальный Поллок

В конце 40-х годов прошлого века один из самых известных художников-абстракционистов Джексон Поллок изобрел новую технику разбрызгивания краски – капельную, которая стала настоящей сенсацией. Она поделила мир на два лагеря: тех, кто признавал картины автора гениальными, и тех, кто называл их мазней, недостойной называться искусством. Создатель уникальных творений никогда не натягивал полотна на холст, а располагал их на стене или полу. Он ходил с банкой красок, смешанных с песком, постепенно погружаясь в транс и приплясывая. Кажется, он случайно разливал разноцветную жидкость, однако каждое его движение было продумано и осмысленно: художник принимал в расчет силу гравитации и впитываемость краски холстом. Получалась абстрактная путаница, состоящая из клякс разных размеров и линий. За изобретенный стиль Поллока окрестили «Джеком-Разбрызгивателем».

Самый известный художник-абстракционист давал своим работам не названия, а номера, чтобы у зрителя имелась свобода воображения. «Полотно № 5», находившееся в частной коллекции, долгое время было скрыто от глаз публики. Вокруг окутанного завесой тайны шедевра начинается ажиотаж, и наконец-то он появляется на аукционе Sotheby’s, мгновенно становясь на то время самым дорогим шедевром (его стоимость – 140 миллионов долларов).