Игорь Гончаров: «Художник не должен быть голодным»

«Раскройте глаза на собственные глаза»

Наталья Гончарова – двоюродная правнучка жены Пушкина Натали Гончаровой – родилась в деревне Ладыжино Тульской губернии. На всю жизнь она сохранила любовь к деревне, а города воспринимала сугубо как вынужденную меру. Отец ее был архитектором, да и сама Наталья видела свой путь в этом направлении. В 1901 году она поступила в Московское училище живописи, ваяния и зодчества на скульптурное отделение. И успешно себя на этом поприще проявила, училась с отличием. Но вскоре произошла самая важная в ее жизни встреча, которая всё изменила. Михаил Ларионов, особо не церемонясь, заявил Наталье: «У вас глаза на цвет, а вы заняты формой. Раскройте глаза на собственные глаза!». По одной из легенд, вскоре после этого между ними вспыхнула размолвка, три дня молодые люди не виделись и не разговаривали. Что делают девушки в таком случае? Плачут и страдают? Пытаются забыться с кем-то другим? Жалуются подругам? Наталья Гончарова пошла другим путем. Когда Ларионов не выдержал и пришел к ней, его встретила расписанная стена, увешанная картинами, обрывки рисунков, мазки краски. Казалось, вся комната Гончаровой превратилась в холст. «Прихожу – вся стена в чудесах. «Кто это делал?» – «Я…»», – вспоминал Ларионов.
Так всё и началось. Гончарова переходит на курс живописи к Коровину. И пишет – много, безостановочно, ярко. Начинала она с импрессионистических вещей («Сенокос», «Пейзаж в Ладыжино», «Натюрморт с туфелькой и зеркалом»).

«Всё, что до меня – моё», или Большая мистификация

По сути, Гончарова была первой российской женщиной-авангардисткой. И первая же персональная выставка закончилась для нее арестом. Пару ее картин тоже арестовали и объявили порнографическими. И не то чтобы обнаженных женщин раньше не изображали. Но женщина это сделала впервые. Впрочем, Гончарову на следующий день оправдали, адвокат апеллировал к тому, что «выставка закрытая», что было верным исключительно с формальной точки зрения. Выставка не позиционировалась как открытое мероприятие, но при этом проходила в Обществе свободной эстетики – а это одна из самых популярных культурных площадок в то время, и попасть на нее не составляло труда.
Но главная выставка Гончаровой впереди. 1913 год. Множество предшествующих скандальных акций, эпатажный Ларионов, разрисовывающий дамам обнаженную грудь, прогуливающиеся по улицам города раскрашенные футуристы (знаменитый фейс-арт, с которым изображают Давида Бурлюка, отсюда родом). Сергей Дягилев отлично сформулировал, в чем особенность, свежесть и неповторимость того, что делала тогда Гончарова: «Если бы Гончарова просто красила себе щеки, мне стало бы скучно. Гончарова не морщины закрашивала, она розы рисовала». Собственное лицо Гончарова превратила в холст.

«Пиар-кампания» сделала свое дело: выставка Натальи Гончаровой осенью 1913 года в «Художественном салоне» на Большой Дмитровке стала одной из самых посещаемых экспозиций. Посетителям рассказывается завораживающая биография художницы. Париж, работа под персональным руководством Моне, Ренуара, Ван Гога. Всё не то! Таити! Остров Святого Доминика и обучение у Гогена. Сезанн? Снова мимо! Возвращение в Россию и написание религиозных картин в одном из монастырей. А потом – Мадагаскар, раскопки, скульптуры! И обращение к Востоку. «Европа – воровка-рецидивистка!», – заявляет Гончарова. Зачем нам Запад, когда можно получить все самое лучшее из первых рук в России? Один нюанс: увлекательная биография – чистой воды мистификация. Гончарова на тот момент из России не выезжала…

«Кто она такая? – интересуются посетители. – В каком стиле работает?». «Все, что до меня – мое», – заявляет Гончарова. И работает во всех стилях. Талант и невероятное трудолюбие художницы не позволили ей удержаться в рамках какого-либо направления. Кажется, она писала всё. Импрессионизм, примитивизм, кубизм, футуризм , лучизм, картины на религиозные темы, порицаемые церковью многочисленные неканонические изображения святых. «Всёчество»! Гончарова категорически настаивает на том, что всёчество – никоим образом не эклектизм: «Эклектизм — одеяло из лоскутов, сплошные швы. Раз шва нет — мое. Влияние иконы? Персидской миниатюры? Ассирии? Я не слепая. Не для того я смотрела, чтобы забыть».

На выставке представлено 761 произведение Гончаровой. Столько она написала за 13 лет работы. То есть за неделю – более одной картины. Выставка изменила отношение не только к Наталье Гончаровой, но и к авангарду в целом. Несколько картин художницы приобрела Третьяковская галерея, среди них – «Рябина. Панино близ Вязьмы» и «Натюрморт с букетом и флаконом красок».

Запало в душу. Наталия Обмочаева (Гончарова)

Данным материалом открываю цикл текстов, посвященных спортсменам, которые в свое время приучили любить меня спорт и в частности вид спорта.

Люди, читающие меня на этом сайте, прекрасно знают мое отношение к волейболу, так же очень хорошо знают мою особую любовь к женской сборной России. Но мало кто знает, с какого момента я стала интересоваться волейболом. Многие люди, отвечая на мой вопрос – “Как ты думаешь, когда я стала смотреть волейбол”, отвечали ЧМ -2010. На самом деле это не так. Лондон 2012. Именно тот олимпийский турнир по волейболу стал первым, который я посмотрела полностью. Именно с первой игры на Олимпиаде Россия – Великобритания я не пропускаю ни одного матча нашей национальной команды.

Я рада тому, что пережила тот турнир. Я рада тому, что я пережила весь 2013 сезон, именно весь, а не только финал Чемпионата Европы. Я была с этой командой в том памятном матче Россия – Бразилия на Олимпиаде. Я была с командой, когда умер главный тренер еще той олимпийской сборной, я была с этой командой, когда у нее не было тренера. Я была с этой командой, когда назначили Маричева и когда он вызвал новых, не известных большой публике игроков. И я была с этой командой, когда она стояла на первой ступеньке пьедестала почета осенью этого года.

Период с августа 2012 по осень 2013 я переживала с этой командой, ни пропускав, ни одного турнира и ни одной игры. С чем это может быть связано?

Волейбол – командная игра, но, как и в любой команде у болельщика наверняка есть любимый игрок. Для меня таким игроком стала Наташа Обмочаева.

Лондон – 2012.

Так уже получилось, что та Олимпиада для Обмочаевой стала первым крупным и серьезным турниром. Впрочем, как и для меня. Да, она была в составе на ЧМ – 2010 года, все ее считают чемпионкой Мира и при этом говорят, что она имеет опыт больших турниров. Как можно иметь опыт турнира, когда ты весь этот турнир выходишь на замену на маленькие отрезки игры. В 2010 году у нее просто не было места в стартовом составе. Еще в то время она играла на позиции доигровщика, постепенно уходя на позицию диагональной из – за того, что Гамова ушла из московского Динамо.

В сборной на позиции диагональной играла только Гамова и никому места этого не отдавала. Позиции двух доигровщиц тоже были плотно забронированы. С одной стороны Люба Соколова, имеющая так же статус неприкасаемой и Таня Кошелева с другой стороны, которая в том сезоне действительно являлась лучшей в нашей стране. Как можно было при таких людях найти себе место в стартовом составе, да никак. Наташа в сборной могла быть либо второй диагональной, либо доигровщицей. Иметь в запасе отличного нападающего ее уровня было глупо, особенно с теми проблемами, которые сборная испытывала в 2011, в частности на ЧЕ. Да ее убирали с приема, но в атаке она была очень нужной фигурой. Вот и получалось, что Обмочаевой место в сборной найдется только тогда, когда будет травмирована Кошелева, или когда получит отдых Гамова. С этим Наташа и жила в период с 2010 по 2013 года. Если в 2010 Обмочаева была явно слабее Кошелевой, то в 2012 она полностью смогла заменить ее на Олимпийских играх. И состав у нашей команды был точно такой же как и на Мире, с единственной заменой Обмочаева вместо Кошелевой.

Если в целом оценить игру Наташи на Олимпиаде, то ей я поставлю самую максимальную оценку. Играя весь сезон в клубе диагональной, она должна приехать в сборную и стать принимающей. Да, она дарила очки соперникам, своим приемом, да она не забила в ключевых моментах в игре против Бразилии, но ей, как никому другому в той сборной, это было простительно. Человек впервые играл такой серьезный турнир, в отличие от остальных в стартовом составе. Она была самой ключевой фигурой на Олимпиаде. И она не провалилась ни в одном матче.

Сезон 2013.

Сезон 2013 года должен был стать самым важным в ее карьере в сборной. В команде не было Гамовой и она, наконец, получила свое место. Место первой диагональной в сборной. Еще до начала сезона Обмочаевой отводилась роль Гамовой. Мол, Наташа будет тащить нашу команду в нападении. Однако этого не произошло. Наташу равномерно грузили со всеми нападающими. Ей в этой команде было сложно, впрочем, как и всем, она учится играть в быстрый волейбол.

Отмечу, что в этом сезоне, она значительно прибавила в игре в защите. Если брать в целом, ну она вряд ли провела его отлично. Мне очень не понравилась ее игра в финале Кубка Ельцина против Италии, она как сначала выпала из игры, так, по сути, и не вернулась. На ЧЕ тоже были не совсем хорошие игры. Но это нормально, когда игрок атакует с быстрых мячей.

В 2013 году она действительно была лидером наравне с Кошелевой. Это тот самый случай, когда они обе нуждались друг в друге. Не будь одной из них, другой было бы сложнее и вряд ли бы, наша команда смотрелась так, как смотрелась. Сейчас от них зависит результат на ЧМ – 2014. Сейчас им становится лидерами нашей сборной. Начали они неплохо – Чемпионки Европы.

Тень Гамовой.

Сейчас в прессе очень часто озаглавливают матч двух Динамо противостоянием Обмочаевой и Гамовой. А раньше они играли вместе за один клуб — московское Динамо. После того, как Гамова ушла из московского клуба, на ее позицию поставили Наташу Гончарову и с тех пор она так, и играет в диагонали в Динамо.

Наташа всегда была за Гамовой. В клубе, в сборной. Сейчас этого уже почти нет. Почему почти? Вспомните прошлый сезон. У Наташи заканчивался контракт в своем клубе. Казанское руководство сразу подсуетилось. Слухи это были или нет, я не знаю, но то, что ходила информация о том, что Обмочаева уйдет в Казань, я знаю. И что снова бы получилось, если она ушла. Она вновь была бы за Гамовой. Хорошо это или плохо решать каждому из нас. Да, то, что ее сравнивают с примой российского волейбола это здорово. Но то, что Наташа постоянно, где, то заменяет Гамову, не думаю, что это хорошо. Всегда слышать вторая Гамова, наверняка неприятно. Зачем ей быть второй Гамовой, когда можно быть первой Обмочаевой.

Московское Динамо.

В женской суперлиге многие игроки уже успели поиграть за разные клубы. Наташа же в России поиграла и играет за один клуб. Уже как лет 7 защищает цвета московского клуба. Я считаю, что это очень здорово. С тех пор, как команду покинули такие звезды, как Година, Сафронова, Гамова, Джиоли, московскому клубу не удается вернуть те позиции, которые команда занимала при наличии этих игроков в составе. Все что удалось выиграть это Кубок России 2011. Все. Чемпионат Москва не может выиграть, они всегда остаются за Казанью. Наташа прикладывала множество усилий для того, чтобы выиграть, наконец, чемпионат, но их не хватало. Она вновь и вновь на награждении грустная и в который раз уже получает серебро.

В карьере Обмочаевой был один сумасшедший матч против казанских одноклубниц в финале 2012 года. В том матче Наташа набрала 41 очко. И на мой взгляд это лучший ее матч в карьере.

Зная, что Наташа в своем клубе играет диагональную, а в сборной, она не может занимать это место в присутствии Гамовой, узнав наш итог выступления на ОИ и посмотрев все игры того турнира, я стала восхищаться Наташей Обмочаевой, и она стала тем самым игроком из – за которого я сейчас смотрю волейбол, вне зависимости от того играет она или нет.

Достижения:

• Чемпионка России 2009
• Серебрянный призер ЧР 2010, 2011, 2012, 2013
• Обладательница Кубка России 2009, 2011
• Серебрянный призер Кубка России 2012
• Серебрянный призер Лиги Чемпионов 2009
• Чемпионка Мира 2010
• Чемпионка Универсиады 2013
• Чемпионка Европы 2013
• Участница Олимпийских Игр 2012

Натали и Наталья Гончаровы

Марина Цветаева, страстно боготворившая Пушкина, услышав от кого-то о Наталье Гончаровой, заинтересовалась совпадением. Обнаружив, что речь не о совпадении, а о родстве, пожелала познакомиться, потом – написать о них, о двух. Две Вселенные, две Натальи Гончаровы. Цветаева показывает Натали как абсолют красоты и пустоты. Наталью Гончарову – как творца, ставшего противоположностью той, первой: «Ибо обратное красавице не чудовище, как в первую секунду может показаться, а – сущность, личность, печать».
Удивительно, но пушкинская Натали Гончарова, бывшая звездой балов, «красавицей – и всё», по определению Цветаевой, удивительным образом дала о себе знать. Ее двоюродная правнучка-художница не была поклонницей светских раутов, но проявила себя на поприще моды. В России именно с ее легкой руки дамы облачились в платья-рубашки, а брюки и кепи она начала носить одной из первых – в то время, когда это был серьезный вызов обществу.

Наталья Гончарова делала эскизы для российского Дома моды Надежды Ламановой, а позже в Париже сотрудничала с Домом моды Шанель и «Мирбор». Эскизы созданных ею нарядов публиковали журналы Vanity Fair и Vogue.

Выставка Натальи Гончаровой в музее Аteneum

Выставки

26 февраля 2020

Ateneum | Выставка открыта до 17 мая

В музее Атенеум (Финляндия, Хельсинки) с 27 февраля до 17 мая будет проходить выставка работ пионера русского авангарда Натальи Гончаровой.

На выставке показано более сотни работ, в том числе, большое количество живописных произведений, а также иллюстрации, театральные костюмы, эскизы декораций и записи балетов. Коллекция охватит первые четыре десятилетий XX века, которые оказались наиболее плодотворными и яркими в творчестве Гончаровой. Помимо живописи, Гончарова создавала костюмы и декорации для знаменитых «Русских сезонов» Сергея Дягилева, работала с домами моды в Москве и Париже, была вовлечена в авангардный кинематограф, и иллюстрировала поэтические сборники. Почти все работы на выставке будут показаны в Финляндии впервые. Важно отметить, что до Атенеума выставка экспонировалась в лондонском Тейт Модерн и в Палаццо Строцци во Флоренции.

Художница Наталья Гончарова получила известность и признание гораздо раньше своих коллег по цеху — Казимира Малевича, Марка Шагала и Василия Кандинского. В 1913 году в Москве прошла ее персональная выставка, которая, по сути, и утвердила ее как ключевую фигуру русского авангарда. В 1916 году она переехала в Париж, где продолжала активно участвовать в богатой на события культурной жизни.

Ее личность и творчество чрезвычайно многогранны, противоречивы и незаурядны. Авторы выставки, старались представить творческих путь художницы во всей полноте и не обошли вниманием даже участие такие эпизоды, как Гончаровой в футуристических прогулках по Москве с раскрашенным лицом, что сродни лицедейству, и подражание народному творчеству и иконописи в художественных работах.

В наши дни произведения Натальи Гончаровой стали одними из самых дорогостоящих работ женщин-художниц. В 2007 году её картина «Сбор яблок» (1909) была продана на аукционе Christie’s за рекордные 4,948 млн фунтов стерлингов. В 2010 работа из цикла «Испанки» ушла с молотка вечерних торгов Christie’s за 6 млн 425, 250 тыс. фунтов стерлингов.

Время работы Атенеума: вт, пт с 10:00 до 18:00 ср, чт с 10:00 до 20:00 сб, вс с 10:00 до 17:00 понедельник — выходной день

Стоимость посещения: Обычный билет — 17 € Льготный билет — 15 € До 18 лет — вход бесплатный

Теги: Авангард Наталья Гончарова

Декорации Натальи Гончаровой

В 1915 году Дягилев отправил Наталье Гончаровой 50 телеграмм с предложениями о сотрудничестве. На все – отказ. В 51-й он додумался написать, что приглашает их с Ларионовым вдвоем. И они поехали. Уже навсегда, хотя и не подозревали об этом. Гончарова пишет декорации и костюмы для «Золотого петушка», и это настоящий переворот. Яркость, искренность, не имитация, не стиль «аля рус», а подлинность, тонкое чувство деталей, традиция, а не реставрация – таковы декорации Гончаровой. «Петушок» стал событием, гончаровские декорации открыли новую главу в декоративном искусстве. Последователи Гончаровой в этой сфере: сам Ларионов, Сергей Судейкин, Николай Ремизов. Театральные работы Пабло Пикассо носят несомненный отпечаток гончаровского «Золотого петушка», в частности, костюмы к балету «Tricorne» (Треуголка).
Придуманная биография внезапно стала воплощаться. Теперь Гончарова путешествует по всей Европе – вместе с Ларионовым они сопровождают Дягилева и его балеты. Кстати, до самой смерти Дягилева Наталья Гончарова была его примой в области декораций, ведущим художником.

Самое сильное впечатление на нее оказала Испания – и почти на 10 лет стала источником вдохновения. Гончаровские «испанки» – одна из самых сильных ее серий.

Больше, чем любовь

В 1918 году Гончарова и Ларионов обосновались во Франции. До сих пор в Париже в Латинском квартале на улице Jacques Callot можно зайти в кафе La Palette («Палитра») на первом этаже их дома. Здесь они чаще всего обедали.
«Мы с Ларионовым как встретились, так и не расставались», – говорила Наталья Гончарова. Ларионов очень гордился ее успехами и куда серьезнее к ним относился, чем к собственным. Их жизни объединило нечто большее, чем любовь. Призвание? Искусство? Душеная близость? Как это ни назови, фактом останется одно: даже когда у Ларионова появилась его Шурочка (Александра Томилина, любовница Ларионова на протяжении 30 лет, а после смерти Натальи Гончаровой – его вторая жена), а у Натальи Гончаровой – Орест Розенфельд (эмигрант из России, французский социалист), это не нарушило главное, что было между ними.

Они были друг для друга больше, чем партнеры, больше, чем влюбленные, больше, чем муж и жена. Кстати, лишь в 1955 году Наталья Гончарова вышла замуж за Ларионова – ради того, чтобы картины, случись с одним из них что-то, оставались в семье. Поскольку детей у них не было, то единственным наследником мог быть законный супруг. Со временем они надеялись передать свои картины на родину… При жизни Натальи Гончаровой этого так и не произошло.

«Ларионов – это моя рабочая совесть, мой камертон. Есть такие дети, отродясь все знающие. Пробный камень на фальшь. Мы очень разные, и он меня видит из меня, не из себя. Как я – его», – так писала Наталья Гончарова о Ларионове. Нельзя сказать, кто из них оказывал большее влияние на другого. Просто они невозможны друг без друга, как русский авангард без их имен и произведений.

Автор: Алена Эсаулова

Игорь Гончаров: «Художник не должен быть голодным»

Уральский художник Игорь Гончаров известен не только в России, но и во всем мире. Он одним из первых не постеснялся поставить свое творчество на коммерческие рельсы, но в отличие от «Сафроновых» не пишет картины пачками, а подходит к каждой работе как к самой главной в жизни. В эксклюзивном интервью интернет-газете Newslab.ru Гончаров рассказал, почему он так и не стал барабанщиком в группе Бутусова «Наутилус Помпилиус», из чего складывается цена на его работы, и планирует ли он продавать картины в Красноярске.

Сначала о музыке. Как вы стали одним из основателей группы «Наутилус Помпилиус»?

Я хотел стать художником и поступил в архитектурный институт. Рассматривал книги для поступающих в вуз и увидел, что там есть и живопись, и графика, и скульптура. Мне это все было интересно с детства. Когда поступил, оказалось, что со Славой Бутусовым и Дмитрием Умецким мы оказались на одном курсе. Ребята мы были активные, вместе поехали в стройотряд. Я имел навыки игры на барабанах, Дима — на бас-гитаре, а Слава пел все подряд. После мы разгружали вагоны с почтой, чтобы купить барабанную установку… Вот такие мы были оптимисты (улыбается).

Но все-таки жилка художественная пульсировала сильнее?

По этой причине я и не стал музыкантом. Живопись была и остается все же любимым моим занятием. А ребята после института продолжали играть. Изначально было видно, что Слава — великолепный мелодист, и голос у него прекрасный. А поскольку я почувствовал, что музыка — это не мое, разбежались мы каждый в свое направление.

А когда «Наутилус» стал известен на всю страну, и группа практически стала легендарной, не кусали локти?

Не жалел. Там ведь было много перипетий с составами и много чего еще. Я подумал — слава Богу, что я этого избежал. И хоть сейчас есть у Славы другая команда, по сути, он один.

Нынешнее его творчество с «Ю-Питером» как оцените? Насколько то, что он делает, отличается от «Наутилуса»?

Это нисколько не похоже. «Наутилус» — это эпоха. И та музыка — неотъемлемая часть того времени. Она поднимала людей, заводила молодежь, помогала ей размышлять не только над своей судьбой, но и над судьбой страны и поколения. «Ю-Питер» — это другая музыка, другое время, другие нравы. И если раньше мы были андеграундом, и на комсомольских собраниях у нас выдергивали шнуры, когда мы начинали играть… Теперь музыкантам присуждают медали, ордена. Это все другое.

Про живопись

О вас говорят, как о человек, который не постеснялся поставить свое искусство на коммерческие рельсы. Эта «коммерциализация» в современной российской действительности — исключение? Или есть Никас Сафронов, как пример продажного искусства, а все остальные — его последователи?

Смотря, что понимать под коммерческим искусством. Если писать на потребу зрителю только для того, чтобы покупали — это одно. А если делать репродукции со своих работ, потому что они востребованы и покупаются, это другое. И второе ближе мне подходит. Я поэтому и начал заниматься пропагандой современного искусства в виде постеров. Эти работы востребованы. Они интерьерные, несут положительные эмоции, радуют людей. Что касается «писать для того чтобы продать» — у меня этого никогда не было. И может быть, раньше говорили о коммерческом подходе потому, что меня больше покупали, в отличие от остальных художников. Прошло 15 лет, ситуация не изменилась с продажей, но сейчас такие разговоры поутихли. Хотя какие-то работы я не продаю, какие-то — уже в частных коллекция, в галереях, за рубежом.

Из чего складывается цена ваших картин? Тот же Лужков у вас купил работу. Наверняка не за копейки?

Раньше у меня цены определялись тем, за сколько бы я сам купил свою работу. Я мог абстрагироваться от авторства, посмотреть на работу, понять, что она мне нравится и прикинуть стоимость. И дальше получалось так, что я выкупал свои уже проданные работы у людей, которым требовались деньги. Я понимал, что эта моя работа мне дорога, и я хочу вернуть ее обратно. Людям говоришь цену, они готовы за нее взять работу или нет. Бывает, что продаю совсем дешево, бывает, что дарю. Здесь все зависит еще и от людей. У многих есть не по одной работе, и тогда мы уже практически друзья.

Ваша красноярская выставка проходит в рамках турне или это единичная такая вещь?

Сейчас проходит выставка «Духовные пути искусства», на которой представлены работы мои и моих друзей. Это проект, который начался еще в 2006 году. Мы уже проехали 28 городов России и Европы. Люди сами нас приглашают. Выставка эта сейчас уже заканчивается и начинается моя персональная выставка здесь же, в галерее «Айн Arta».

Насколько вообще в России художественное искусство популярно?

Я не ощущаю сейчас сильного подъема и большого интереса к произведениям искусства. Но, видимо, причина в том, что кризис продолжается, и люди думают в первую очередь о хлебе насущном.

В этом смысле на вас экономический кризис сказался?

Нет, на себе я это не почувствовал.

Люди подходили, спрашивали, обещали вернуться. Что-то я, наверное, буду продавать. Все-таки это мой источник дохода, а от денежной системы мы пока не отошли.

То есть в современном мире художник не обязательно должен быть голодным, чтобы писать хорошие картины?

Художник не должен быть голодным в принципе. В обратном случае, он кроме натюрмортов с колбасой ничего писать не будет (смеется).

А есть ли какие-то способы, как вернуть зрителя на выставки картин?

Нужен другой подход к живописи. Это очень серьезный вопрос. Скажем, раньше иконописцы писали разные работы и вкладывали в них всю душу. Пребывали в посте, молитвах, их не тревожили никакие заботы и хлопоты, которые тревожат современных художников. И пребывая в этом состоянии, всегда с Богом, всегда думая о хорошем, они писали эти лики. И иконы, которым по много-много лет, до сих пор лечат, заряжают людей положительной энергией, помогают жить. Так вот то, что заложено в иконе, должно закладываться в каждую картину любым художником. Потому что картины имеют свойство нести тот энергетический заряд, который вкладывается в них. Походите по выставкам — энергетика картин работает на человека. Я на себе это испытывал. Иногда смотришь на картину, переходишь к другой и делаешь это все быстрее и быстрее, у тебя начинает болеть голова. Ты уходишь с выставки с ощущением, что побывал в чернобыльском реакторе. У картины нет срока действия. Поэтому ответственность художника очень высока.

Узнать правильного художника можно только путем испытания на себе?

Только так, да. Бывают выставки, после которых ты думаешь — так, срочно иду и покупаю кисти и краски и начинаю рисовать. У нас так было на Украине. Книги отзывов превращались в поэтические сборники — у людей, что называется, пёрла поэзия. Искусство должно вдохновлять на творчество.

Фото Александра Паниотова